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INITIATION AUX ARTS NUMÉRIQUES APPLIQUÉS AUX ARTS DE LA SCÈNE

Formations disciplinaires

Samedi 11 février et dimanche 12 février 2023 de 9h à 17h , Québec

CRÉDIT PHOTO: Allison Moore. Comment fusionner les arts de la scène et les arts numériques de sorte à créer des propositions innovantes sortant de l’ordinaire ? C’est ce que vous apprendrez dans cette formation de 14 heures axée sur les échanges et les discussions entre artistes. Grâce à quatre invité.e.s oeuvrant dans le milieu, vous serez confronté.e à différentes démarches artistiques transversales qui ouvriront votre horizon de possibilités.

Informations importantes

  • Clientèle visée : Les professionnel.le.s des arts de la scène intéressé.e.s par l’art numérique ou les professionnel.le.s de l’art numérique intéressé.e.s par la scène (art de la scène, conception, technique, direction technique, production, etc.).
  • Durée de la formation : 14 heures
  • Formule pédagogique : Présentations magistrales, discussions et échanges transversaux
  • Mode de diffusion : En présence
  • Prérequis : Les participant.e.s sont invité.e.s à fournir un CV avant le mercredi 1er février à 16h et à réfléchir aux attentes qu’ils et elles ont envers la formation. Les participant.e.s ayant un projet spécifique en tête sont invité.e.s à préparer un minimum de matériel pour le présenter au formateur principal (optionnel et non requis pour s’inscrire).
  • Niveau de la formation : De base, pour artistes professionnel.le.s
  • Collaboration Grand théâtre de Québec
  • Nombre de places disponibles : 15
  • Frais d'inscription : 165 $ (taxes incluses) / Valeur réelle : 970 $
  • Quand ?  Samedi 11 février et dimanche 12 février 2023 de 9h à 17h

Où ?

Grand théâtre de Québec

269 boulevard René-Lévesque Est
(Québec) G1R 2B3
CA QC

Description

Les procédés numériques sont en plein essor dans le milieu culturel et artistique et le domaine de la création n’échappe pas à cette vague. Les domaines des arts numériques et des arts de la scène s’entrecoupent de plus en plus par l’utilisation d'outils technologiques. Cependant, pour certain.e.s artistes et concepteur.rice.s, l’usage des technologies et du numérique dans la création reste encore méconnu. Cette formation a donc pour objectif de démystifier les pratiques numériques et leurs potentielles applications aux arts de la scène.

Au-delà de l’explication théoriques des technologies et des procédés, cette formation met l’accent sur la fertilité de la rencontre entre les démarches de travail en arts numériques et en arts de la scène et sur les nombreuses possibilités engendrées.

Déroulement et contenu

Avant-midis
Présentation d’une diversité de projets d’arts numériques (2 par avant-midi) qui adoptent une multitude d’approches et de techniques et dont les paramètres, les composantes technologiques ou la finalité ont un potentiel d’application en arts de la scène :

  • 11 février – Myriam Boucher et Allison Moore
  • 12 février – Erin Gee et Renaud Gervais

Après-midis
Discussions, ateliers et démonstrations pratiques

À la fin de la formation
Visite de l’exposition présentée au Studio Telus

But

  • Initier les concepteur.rice.s et les artistes aux technologies et aux arts numériques
  • Exposer les participant.e.s à une variété de démarches en arts numériques afin de confronter leurs idées et leurs intentions et ainsi entrevoir de nouveaux modes de collaboration entre les artistes du numérique

Objectifs pédagogiques

  • Clarifier le concept d’art numérique et ses caractéristiques méta-disciplinaires
  • Souligner la pertinence du processus de développement expérimental vs les outils « tablette »
  • Par un survol d’un ensemble de procédés et de pratiques (exemples de projets des présentateurs à l’appui), amener les participant.e.s à envisager les possibilités que permettent les technologies numériques appliquées aux différentes sphères des arts de la scène et de comprendre leur potentiel et leurs limites
  • Participer à une activité de formalisation de concepts et intentions émises par les participant.e.s dans le but de dénouer les incertitudes et d’évaluer leur  faisabilité
  • Mise en application
     

Formateur : Alexandre Burton, artiste, concepteur sonore et visuel et conseiller en intégration technologique

Artiste et luthier numérique, Alexandre Burton s’intéresse à la technologie afin de dévoiler une sensibilité propre au numérique. Son travail porte essentiellement sur la mise en relation de phénomènes sonores, visuels et somatiques. Ses œuvres sont régulièrement présentées dans des manifestations internationales d’art numérique et de musique électronique. En plus de ses activités au sein d’Artificiel, il collabore avec d’autres entités artistiques et culturelles à titre de concepteur génératif sonore et visuel et de conseiller en intégration technologique.

Invité.e.s

Allison Moore est une artiste intermédia travaillant avec le cinéma immersif et élargi basée à Montréal. Au cours des 15 dernières années, elle a développé une pratique indépendante en participant à des résidences, des conférences et des expositions à l'échelle internationale. Elle enseigne régulièrement les pratiques des arts médiatiques, du cinéma et de l'installation en tant que conférencière invitée. Ses projets ont été présentés à la Biennale d'architecture de Venise, MUTEK, ISEA, Tokyo Arts and Space (Japon), OBORO (Montréal), Traverse Video (France), MABE (Brésil), Festival du Nouveau Cinéma (Montréal). Elle collabore également à différents projets scéniques en théâtre, arts du cirque et arts multidisciplinaires. 

Par le biais de son oeuvre Le diorama numérique, Allison Moore interroge notre perception des dimensions à travers la projection illusionniste (mapping vidéo), les effets visuels numériques (composition d'images) et les effets analogiques (art scénique). Elle montre des exemples de ses œuvres dans le contexte historique de l'art immersif pré-cinématographique et discute du processus de conceptualisation de la conception vidéo intégrée à la performance.

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Inspirée par l’environnement naturel, Myriam Boucher fusionne l’organique et le synthétique dans ses vidéomusiques, ses performances audiovisuelles et ses projets immersifs. Son travail délicat et polymorphe explore le dialogue intime entre la musique, le son et l’image. Claviériste de formation, Boucher s’est d’abord orientée vers le piano classique, le jazz puis le post-rock avant de se lancer dans l’étude de l’électroacoustique. Devenue depuis artiste vidéo, elle travaille sur la combinaison en temps réel entre musique et images, étendant ses activités à du VJing et à des installations vidéo. Elle est actuellement professeure adjointe en musique numérique, composition et création sonore à la Faculté de musique de l’Université de Montréal.

Performance audiovisuelle, de l’écran à la scène : Myriam Boucher aborde principalement le travail audiovisuel performatif, c’est-à-dire réalisé en temps réel et utilisant des outils numériques d’abord conçus pour la musique électronique (Ableton Live) et le Vjing (Resolume et TouchDesigner). Les œuvres Phase, Elements, The Tuning of the Fields, Héros, Littoral et Polytope XXI sont présentées afin d’exposer les processus de création et les questionnements qui sous-tendent ce type de projet.

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Renaud Gervais, PhD, est un esprit créatif s'intéressant à l'expérience humaine et l'impact du numérique sur celle-ci. Ces dernières années, il a troqué le labo (Inria Bordeaux) pour le centre d'artiste (Sporobole), voulant davantage contribuer à soulever des questions que de proposer des réponses.

Renaud Gervais propose une discussion sur les enjeux de la recherche-création en art numérique à travers différents projets qui ont été accompagnés dans son centre d’artiste. Il abordera les projets suivants :
– Not One of These People de Christian Lapointe : une pièce de théâtre utilisant la technologie du "deep fake" en temps réel pour donner/prendre la voix de personnes qui n'existent pas (une série de portraits générés par de l'intelligence artificielle).
– Prince Panthère du Petit Théâtre de Sherbrooke : une pièce de théâtre pour les 10-14 ans abordant les thèmes du questionnement et des émotions. Après la fin de la pièce, les spectateurs sont invités à aller poser leurs questions dans une cabine téléphonique où un dispositif interactif a été créé à cette fin. Les questions sont ensuite ré-insérées dans le texte des représentations suivantes.
– Autofading_Se disparaître de Caroline Gagné : une oeuvre de réalité virtuelle où la photogrammétrie et des outils de compositions sonores non linéaires sont utilisés pour créer une version impressionniste et vivante d'une forêt et où l'expérience renvoie le visiteur à l'impact de sa présence et de ses mouvements.
 
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Erin Gee est une artiste multidisciplinaire de Montréal qui explore les zones d'émotion personnelles et politiques par le biais de technologies de détection physiologique, de techniques de manipulation émotionnelle et de la musique. Son travail a été présenté lors de concerts de musique contemporaine, de festivals de nouveaux médias et d'expositions dans des galeries d'art au niveau national et international. Elle est actuellement étudiante au doctorat au département de musique de l'Université de Montréal.

Erin Gee parle de son inspiration pour travailler avec la musique de biofeedback comme une autre façon de ressentir les émotions et explique la science des sentiments derrière sa technologie BioSynth. À travers la présentation de son travail artistique, elle expose les problèmes et les promesses des technologies de détection des émotions dans l'art contemporain. 

 

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Cette formation est rendue possible grâce à la participation financière du Gouvernement du Québec

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Informations: Anik Lachance, Adjointe à la formation